팝아트의 지속적인 매력!위트 있고 섹시하고 저렴한 비용의 눈썹

예술 쇼의 우연한 광고가 보여주듯이, 꽃으로 만들어진 거대한 푸치는 군중을 즐겁게 합니다. 스페인 북부의 구겐하임 빌바오 밖에서, 많은 사랑을 받은 제프 쿤스의 1992년 꽃 조각 "퍼피"는 팝아트가, 종종 1960년대와 동일시되는, 직관에 반하는 예술적 표현의 높은 발차기가, 어떻게 사라졌는지를 보여줍니다.

그렇다면, 38,000개의 침구 식물로 만들어진 쿤스의 기념비적인 43피트 높이의 하이랜드 테리어가 박물관의 새로운 쇼 "사인과 오브제: 구겐하임 컬렉션의 팝 아트" 밖에 충실하게 그리고 화려하게 앉아 있는 것이 적절합니다

이 전시회는 팝을 기념하고 해체하는데, 이는 만화에서부터 제품 포장까지 모든 것을 다다, 초현실주의, 그리고 어떤 사람들은 치카네리의 매쉬업으로 고급 예술로 재구성한 예술적 운동입니다. 이 쇼는 팝이 오늘날의 문화적 풍경에서 자리를 차지하고 있는지를 곰곰이 생각하면서 앤디 워홀, 로이 리히텐슈타인, 로버트 라우센버그와 같은 많은 오래된 거장들의 환상적인 예들을 전달합니다.

 

큐레이터들은 워홀의 실크 스크린 전기 의자를 보여줍니다 – "여러분이 섬뜩한 그림을 계속해서 보면, 그것은 실제로 어떤 영향도 미치지 않습니다"라고 그는 말한 적이 있습니다 – 그리고 벤 데이 점을 사용한 리히텐슈타인의 만화 같은 연구들도 있습니다. 그러나 또한 클라스 올덴부르크와 마우리치오 카텔란 (연못에 익사한 피노키오의 씁쓸한 코믹한 조각상을 보여주는)의 1990년대와 2000년대의 기발한 작품들과 자본주의와 소비주의의 효과만큼 문화적 정체성을 다루는 루시아 히에로와 같은 현대 예술가들의 더 최근 정치적인 생각을 가진 작품들도 있습니다. 팝 바통은 미술사에서 수 차례 건네졌습니다.

 

구겐하임 미술관은 그 명성과 예술사적 중요성 모두에서 그 운동의 발전에 중추적인 역할을 했습니다. 1963년에 그것은 뉴욕 전시회 "6명의 화가와 대상"을 열었고, 그 전시회에서 워홀, 리히텐슈타인, 라우센버그의 작품들이 재스퍼 존스, 제임스 로젠퀴스트, 짐 다인의 작품들과 함께 그들의 박물관 데뷔전을 열었고, 그 예술가들의 학문적인 중요성을 확고히 했습니다. 그리고 그 박물관은 그 이후로 그 분야에서 수집해오고 있습니다.

빌바오 쇼는 1961년부터 2021년까지 진행된 40개의 작품을 포함합니다. 클라스 올덴버그와 그의 아내 쿠제 반 브뤼겐의 가장 큰 "소프트 셔틀콕"(1995)은 맨해튼에 있는 구겐하임 미술관의 프랭크 로이드 라이트가 디자인한 로툰다를 위해 특별히 만들어졌습니다. 빌바오에는 유연한 깃털을 가진 괴물 같은 셔틀콕이 고대의 거대한 배드민턴 경기의 슬픈 메아리처럼 자신만의 공간에 자리잡고 있습니다. 팝은 재미있고 우울할 수 있습니다.

 

이 쇼는 주로 두 개의 주요 갤러리에 퍼져 있는데, 첫 번째 갤러리는 주로 미국 A-lists의 대형 형식의 고급 작품을 보여주는데, 여기에는 서양 마녀처럼 보이는 거대한 녹색 자화상이 포함되며, 두 번째 갤러리는 Mimmo Rotella와 Sigmar Polke와 같은 유럽 예술가들로 초점을 옮깁니다. 관객들은 젊은 국가의 "새롭고 빛나는" 영역에서 "오랜 역사"를 가진 지역으로 이동한다고 동료 구겐하임 학자 Joan Young과 함께 빌바오 전시회를 공동 큐레이션한 Lauren Hinkson은 말합니다.

 

팝은 상점 진열대와 자기 홍보와 동의어가 되었습니다. 그렇다면, 그것이 오늘날의 광적인 소비주의와 자기애에 부분적으로 책임이 있는 것일까요? "물론이죠," 힝크슨이 말합니다. "그들 중 앤디 워홀 수석. 그는 누군가 그것을 할 생각을 하기도 전에, 카다시안들이 셀카를 찍을 것이라고 생각하기도 전에 그것을 했습니다. 워홀은 그 모든 것을 예상했습니다." 그녀는 원래 팝 선구자들이, "문화에 거울을 다시 비추었고, 그들은 대중들을 인식하게 만들었습니다."라고 말합니다. 그리고 오늘날, 그녀는 현대 예술가들이 그 조합에 재치를 주입하고 있다고 덧붙였습니다. "하지만 그것은 믿을 수 없을 정도로 어두운 읽을거리입니다." 불쌍한 늙은 피노키오가 대표적인 예입니다.

전시 입구에서 도미니카계 미국인 현대 예술가 루시아 히에로의 "A Little Bit of Everything (2017-21)"은 팝이 비판적이고 문화적으로 구체적일 수 있는 잠재력을 강조합니다. 히에로는 잠시 관객의 규모 감각을 당황하게 만드는 라틴 아메리카 식료품으로 가득 찬 거대한 쇼핑백을 만들었습니다. 고인이 된 어머니 루시아 구즈만 가르시아와 협력하여 만든 이 작품은 도미니카 제품의 오버사이즈 펠트 복제품을 모두 뒤섞은 것이 특징입니다. 그것은 개인적, 정치적, 변덕스러운 것의 이상한 혼합입니다.

 

뉴욕에 있는 그녀의 스튜디오에서 이야기하면서, 히에로는 어떻게 그녀가 이 운동에 대한 외부인의 관점을 가져오는지 설명하며, 정치와 – 특히 식민주의에 대한 논의들 – 그리고 가족의 전설을 종종 보편적이고 일반적인 것으로 생각되는 미학에 혼합시킵니다. "저는 도미니카계 미국인과 스페인어를 말하는 카리브해인으로서, 우리가 '팝'이라고 부르는 시각적 분석 안에서 제 위치에 맞서고 분석하는 흥미로운 위치에 있다고 봅니다."

'사인과 사물'에서 볼 수 있는 많은 작품들처럼, 히에라의 작품은 심오한 만큼 장난기가 넘칩니다. "저는 항상 예술에서 유머를 사랑해왔습니다"라고 히에라는 말합니다. "유머는 특히 더 무거운 주제를 꺼내고 싶을 때 서로 참여할 수 있는 훌륭한 방법입니다. 그것은 오락처럼 수동적이지 않습니다; 그것은 협력적입니다." 박물관 밖에서, 쿤스의 거대한 메리골드와 베고니아 사냥개가 그녀의 요점을 완벽하게 꿰뚫습니다. 사람들이 지나갈 때, 그들은 킥킥거리며 인스타그램 스냅을 얻습니다. 팝은 단 15분의 명성을 얻지 못할 것이었습니다.